Luis Loras y Fernando Novella, premios en la IV Bienal de arte Comarca Andorra-Sierra de Arcos

El sábado pasado se inauguró en el Centro de Arte contemporáneo Pablo Serrano de Crivillén la exposición con las obras seleccionadas en la IV Bienal de arte Comarca Andorra-Sierra de Arcos.

El ganador en la categoría de pintura ha sido Luis Loras, con el cuadro 'Encuentros', según ha declarado el pintor” su obra -acrílico sobre lienzo- expresa el encuentro entre una persona y una figura geométrica, que forma parte de la serie In the dark room (En la cámara oscura), con espacios en negro y personajes que conviven con poliedros y figuras geométricas creando un encuadre de abstracción y surrealismo.”

El accésit recayó en Alfredo Altabas Felipo con 'Desde el otro lado'.

Y hubo una mención para Joaquín Macipe Costa con 'De entre las sombras'.

En la categoría de escultura el ganador ha sido Fernando Novella con su obra 'Push and pull' “nueve piezas de hierro soldado, con la que ha obtenido el premio. El corte limpio es el interior, lo que une a toda la pieza en círculo, el denominador común porque cada pieza es distinta. El exterior, oxidado, indica el paso del tiempo.”

El accésit recayó en Carmen Martínez Samper con 'La jaula'.

Enhorabuena a los ganadores, y a seguir trabajando.

Fernando Oliver vuelve a ganar el Pedro Aibar

Fernando Oliver Enguita (Teruel, 1983) ha ganado de nuevo el premio en la VIII edición del Certamen de pintura Pedro Aibar Jiménez, organizado en Báguena.
La obra ganadora en esta edición lleva por título ‘Estación de Báguena’ y en ella el pintor refleja con una pintura iluminista el interior desolado de la antigua estación. El paso del tiempo, el abandono del edificio industrial quedan plasmados  a través de un cuidado estudio del espacio y de la luz, la gran protagonista del cuadro junto a la desolación. La buena técnica, un tema que invita a la reflexión y  que sin duda emociona le han llevado a obtener por segunda vez el premio en un certamen que ya ganó en 2012 (click). Comparten ambos cuadros un carácter muy realista, casi fotográfico, donde la luz se convierte en un factor fundamental para lograr la verosimilitud.
En los tres años trascurridos desde su anterior premio ha expuesto en varias individuales y ha montado una pequeña academia de dibujo en su estudio en la plaza la Bombardera.
 Enhorabuena y a seguir trabajando.

Pablo Mateo, ganador del José Lapayese 2015

Pablo Mateo ha ganado el XVII certamen de arte José Lapayese con el cuadro ‘Atrapados en el Azul. El Superyo’. El joven pintor ha definido así el políptico ganador: “Atrapados en el Azul. El Superyo son dos lienzos de gran formato a los que se les añade un políptico compuesto por otros siete más pequeños. La temática es el paso de la vida infantil a la adulta, y aunque todo lo que hago tiene el leit motiv de vivencias personales, también tiene influencias más teóricas. En este caso, cuando lo pinté estaba leyendo Psicoanálisis del arte, de Freud, y quise representar el conflicto entre el Yo real y el Superyo, que Freud identifica con el mundo de las normas heredadas de la familia y el entorno. Para reflejarlo me basé en el estudio De lo espiritual en el arte, de Kandinsky, y recogí las antinomias entre colores de las que habla. En concreto utilicé la que establece entre el amarillo y el azul; el primero representa el mundo infantil y el segundo el mundo del adulto y el Superyo, porque el color azul representa el deseo de pureza e inmaterialidad. Las escenas que se ven en los cuadros hablan de ese paso de la infancia a la madurez, y también se ven adultos en posturas típicamente infantiles. Intento poner cierta dosis de humor negro y dotarle de ambigüedad, para que el espectador no se lleve un mensaje claro y rápido, sino que le surjan dudas y se establezca un diálogo entre el cuadro y él.”, en la entrevista publicada en el Diario de Teruel. 

Eduardo Lozano ha obtenido el Premio Ars con el cuadro ‘Paisaje azul’, que ha sido definido así por el pintor zaragozano: “El cuadro arranca con un paseo por el valle de Estós, en el Pirineo central. A partir de sus paisajes empecé a interpretar la imagen, aunque le he dado mucha más importancia a la materia y los efectos pictóricos que al paisaje en sí, porque no es un cuadro representativo.”, en la respectiva entrevista publicada en el Diario de Teruel.

Los libros de artista de Gonzalo Tena, hoy en Senda

Hoy, a las 20 horas en la librería Senda se presentan Oneneeding,  Beingone, y  Onewas  de Gonzalo Tena. Estos tres libros conforman una serie de seis libros de artista junto a los presentados recientemente en la librería Antígona de Zaragoza: Beingliving, Inthere y Anotherday. 

Como el propio artista indicó están inspirados una vez más en textos de Gertrude Stein, y en ellos juega: “con el tiempo verbal del presente continuo en inglés",   "En cada página hay dos palabras, de forma que la primera es la última de la anterior y la segunda la primera de la siguiente". "Cada página actúa en un momento espacio temporal inexistente, ya que son referencias temporales al pasado y al futuro, a las páginas anteriores y posteriores.”

La poesía de la pintura: A propósito del pintor Álvaro Lombarte

Hoy se presenta en Alcañiz el libro Poesía a propósito del pintor Álvaro Lombarte, una sugerente propuesta editorial que recoge una serie de poemas inspirados por la pintura. “Con este proyecto, la Asociación Literaria Poiesis pretende entablar una relación de correspondencia entre la pintura de Álvaro Lombarte y la poesía. Serán poemas que han brotado de un fuerte estímulo a la imaginación a partir de su pintura.”
Los poetas que han “ilustrado” con sus textos las pinturas de Álvaro Lombarte son  Manuel M. Forega, María José Aznar, Graciela Giráldez, José Manuel Soriano, Ismael García, Jesús Moreda, Inés Ramón  y María José Griñón.
Para acompañar la presentación de esta interesantísima propuestahabrá música a cargo Zarpalagreña, danza con Laura Lombarte, una performance Álvaro Lombarte y Vicente Mora y el vídeo de  Josseline y Richard García.

 

Para abrir boca un poema y un cuadro:

 

Este es el segundo número de la Colección Por amor al arte, que publica la Asociación Literaria Poiesis de Alcañiz. En el primer libro de la serie Por Abril fueron las esculturas de José Miguel Abril, el punto de partida para los poetas.

Fernando Romero Premio BMW a la Innovación

Fernando Romero ha obtenido con el cuadro ‘Nubes sobre plano’ el Premio BMW a la Innovación. El premio BMW de Pintura es uno de los galardones más importantes del país por su larga trayectoria y dotación económica. Este año ha incorporado una nueva categoría Premio BMW a la Innovación, en la que el pintor turolense ha sido el primer ganador.
El premio BMW a la Innovación es sin duda el galardón de mayor proyección de la  larga lista de reconocimientos y premios que ha cosechado este joven pintor: en 2009 obtuvo el tercer premio en el certamen Arte Joven con ‘Cierzo’:

la adquisición de obra en el VIII Premio de pintura de la Delegación del Gobierno en Aragón;en 2011 obtiene la VII beca de la Diputación para jóvenes creadores turolenses; en 2013 el premio de pintura en la II Bienal de arte Comarca Andorra-Sierra de Arcos con ‘Nubes azules II’;

 y este verano el Premio Ars del Centro de Estudios del Jiloca con ‘Árbol y tormenta’:

Seguro que el premio le compensa de sus encierros en el estudio de Villastar y le anima a seguir trabajando.

Esther Galdon, portada de Artes&Letras

Esther Galdon portada en la rentrée del suplemento Artes&Letras, tras un largo verano de ausencia. En el interior se puede leer: “Nacida en Mataró, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona en la especialidad de pintura, reside en Valderrobres. El cuadro de la portada de ‘Artes&Letras’ forma parte de la ‘Serie Aire’, de 2013, el aire uno de los componentes esenciales de la atmósfera. Trabaja las texturas y los volúmenes a través de la técnica del collage y del reciclaje. Su fuente de inspiración es la naturaleza. La artista entiende la creación como un proceso vital, lúcido y experimental de reflexión.”, Artes&Letras nº 475, p. 3, Heraldo de Aragón, 16 de octubre de 2014.

Aquí blog de Esther Galdon.

Un fin de semana, tres convocatorias y +

Desde hoy, y durante el fin de semana,  Asociación de Acuarelistas de Aragón ha convocado el primer encuentro nacional de acuarelista en Mora de Rubielos.

El sábado y el domingo Teruel tendrán lugar Tebeoruel, las primeras jornadas de cómic de Teruel, con el siguiente programa:
Sábado
Actividades en Zombies y Princesas
18,00 Taller de cómic para niños y niñas
19,00 Presentación Fancine Thermozero a cargo del periodista Oscar Senar
19,30 Presentación Colección Científicos (Anillo de Sirio, Valencia) con la presencia del autor Jordi Bayarri
20,00 Presentación El último aragonés vivo (GP ediciones) con la presencia de David Terrer, Carlos Azagra y Encarna Revuelta
20,30 Presentación Los Mediamierdas 2
21,00 Novedades editoriales aragonesas (Thermozero, Malavida, GP Edicones)
Domingo
Stands de venta en la Plaza del Torico
Horario de 11 a 15 h.

El sábado, en Olba puedes acudir con tus lápices o pinceles a Dibujando Olba 2014. Quedada para dibujar y pintar Olba y alrededores. Es el segundo año que se celebra. Aquí algún dibujo del año pasado. 

Esta tarde, a las 20 horas, en la Casa de Cultura de Monreal del Campo, el fotógrafo Uge Fuertes dará una con el título "La creatividad en la fotografía”, acompañando a la exposición  Desenfocando la mirada que puede verse allí hasta finales del mes de octubre.

Sonia Villarroya, gana el VII Pedro Aibar Jiménez

La joven artista turolense Sonia Villarroya Sanahuja, nacida en 1989, ha ganado el VII Certamen de pintura Pedro Aibar Jiménez de Báguena, con ‘Fortaleza roja’, un acrílico con el castillo de Peracense como protagonista. Se trata de una pintura en la que los planos se van superponiendo, desde la roca que aparece en un extremo hasta un fondo desdibujado que se pierde en el otro, para ofrecer una visión desconocida de la fortaleza. En ella, trabaja la gama del colores a modo de planos con la riqueza de matices propia del rodeno de la zona.
Sonia Villarroya tras acabar recientemente los estudios de Bellas Artes, compagina su faceta artística con el diseño gráfico, y en diciembre de 2013 ha presentado su primera exposición individual en Madrid: Etapas de identidad, en la Galería de Arte Ignacio Redondo.

Luis Loras: premio Lapayese 2014. Fernando Romero: premio Ars

Luis Loras ha obtenido el premio en el XVI Certamen artístico José Lapayese, con el tríptico ‘Filtros’, en la línea de su última serie Espacios en negro, aunque fuera de ella. 

Mientras que Fernando Romero ha obtenido el premio Ars con el cuadro ‘Árbol y tormenta’, una personal aproximación al paisaje.
Actualmente la exposición se puede ver en Daroca, hasta el día 13 de agosto. Desde el día 15 al 31 en Cella, y del 2 al 12 de septiembre en Calamocha.
Aquí vídeo de mijilocatv:

Enhorabuena a ambos y a seguir trabajando.

Gonzalo Bujeda, portada de Artes&Letras

Esta pintura de Gonzalo Bujeda fue ayer la portada del suplemento cultural del Heraldo de Aragón, en el interior se podía leer lo siguiente: “La pintura de la portada de ‘Artes&Letras’ forma parte de la serie ‘Las historias de una I’ (2014) en la que actualmente trabaja Gonzalo Bujeda, pintor aragonés. Explica el artista de Peracense: <>.”, A&L,”En portada. Gonzalo Bujeda”, Artes&Letras n º 472, p. 3, Heraldo de Aragón, 12 de junio de 2014.
A propósito de la serie “Las historias de una I” el pintor escribe en su web: “Siempre me atrajo la caligrafía. Letra a letra, en cada una de ellas o unidas, hay un mensaje, una relación de formas y color. Esconden, proponen algo. Son un símbolo. Letras hubo en muchas de las colecciones anteriores, especialmente en “Lecciones de escuela”. Esta nueva nace desde la I o trazo vertical que simboliza a la individualidad hasta la A, unión y primera de las letras de nuestro abecedario.”

El asesinato como parte del proceso

Killing G de Gonzalo Tena en la Escuela de Arte de Teruel, hasta el 17 de diciembre.
El punto de partida de Killing G se halla en la colectiva Encajados, una exposición alternativa que puso en contacto a artistas turolenses y zaragozanos. En esa muestra Gonzalo Tena presentó un personal ready made: una voluminosa y pesada caja, rescatada no sin esfuerzo en lo más profundo de un desván, y cuyas tapas apenas se podían cerrar dejando entrever unas polvorientas toallas. Esa caja contenía la obra realizada por el pintor en torno a Gertudre Stein entre 2007 y 2008. De lo que ocultaba-mostraba ‘Redimeid (Prontohecho)’, titulo dado a la caja convertida en obra de arte, solo fueron verdaderamente conscientes quienes transportaron la caja.

A primera vista en Killing G Gonzalo Tena plantea un ejercicio de iconoclasia radical, pues tras el rescate del desván de las obras decidió intervenir sobre ellas, aplicando gruesas capas de acrílico sobre la imágenes anteriores, ocultando el pastel original, las palabras entresacadas de los textos de Gertudre Stein e, incluso, su propia firma. Cuando comentó entre su círculo más próximo en lo que estaba trabajando reaccionaron como auténticos iconódulos, adoradores de la obra del pintor turolense, con extrañeza y algo de tristeza ante la destrucción de una serie importante en la trayectoria del artista, parecía que el propio autor en un ejercicio de travesura y desapego estaba emulando a los niños malos del arte británico, los hermanos Dinos y Jake Chapman, cuando pintaron caras de payasos sobre grabados originales de Goya. 

En realidad nada hay mas alejado del pueril y mediático gamberrismo de los Chapman que el último trabajo de Gonzalo Tena. En Killing G, el pintor parece matar a su adorada Gertudris (más de uno a interpretado que la G hacia referencia al propio Gonzalo y no a la escritora norteamericana) tras mas de catorce años de fecunda relación artística y la entierra bajo una pintura grumosa y densa, de colores chillones, oro y plata. Este aparente ejercicio de autodestrucción, de harakiri artístico le permite desentrañar y sacar a la luz las tripas de un principio clave en su pensamiento pictórico: La pintura como proceso dialéctico de conocimiento, que ya no ofrece objetos terminados (cuadros) sino estados, etapas de un pasaje, de un proceso. Un concepto de la pintura formulado por el pintor en los años setenta dentro del grupo de Trama, y al que ha permanecido fiel durante toda su trayectoria. 

En Killing G, Gonzalo retoma el sendero partiendo de su obra anterior y continuando un proceso creativo como constante work in progress, sin un final previamente establecido ni buscado. Para ello recurre, acorde a sus últimas pesquisas, a una formulación cabalística y alquímica. El propio artista ha señalado que en la cábala tapar una palabra supone romper su sentido, dejarlo velado, escondido. Pero a la vez lo que se oculta reverbera, permanece tras su desaparición. La densidad de la superficie pictórica no es sino fruto de la fuerza interior de lo que cubre, que como el magma de un volcán presiona por emerger deformando hasta casi romper las capas superficiales, transformando la esencia de los materiales con los que entra en contacto. El magma que metamorfosea la superficie no es otro que la propia Gertrude Stein, rediviva por que tachar muchas veces se convierte en otra manera de subrayar. 

Publicado con el título "El crimen: parte del proceso", en Artes&Letras, nº 448, p. 6-7, Heraldo de Aragón, 13 de diciembre de 2013.
                               

Secuencias en el espacio

En los últimos años Víctor Solanas Díaz (Tolosa, 1977) se ha dado a conocer a través de exposiciones y de su participación en numerosos concursos de pintura (ganando unos cuantos de ellos) con unos cuadros (¿?) construidos a base de cinta adhesiva de carácter industrial, primero con cintas de diversos colores y que, en sus últimos trabajos, se ha reducido a los básicos amarillo y negro de la cinta adhesiva de advertencia, la que se usa para señalar el peligro, y cuyos colores llaman a activar nuestra atención. En paralelo, el artista con el mismo material ha venido desarrollando un trabajo, menos conocido, de intervención en el espacio público, no en vano su proyecto fin de carrera El espacio supuesto exploraba “el soporte bidimensional como referencia objetual”. Tanto en unos y como en otros se evidencia su interés por explorar líneas de investigación creativa que proceden del Minimal art (el mismo uso de un material industrial de uso masivo con un fin artístico), y de la psicología de la percepción aplicada en las obras Op art.
El proyecto Four intermissions, planteado para la torre medieval de Albarracín, le ha permitido reflexionar sobre la esencia de su trabajo y transformar el fortificado espacio en un laboratorio de experimentación sobre el propio espacio expositivo. Aprovechando la división de la torre en una serie de salas superpuestas, el artista secuencia su intervención de una forma racional y muy calculada, y el espectador se ve avocado a reconsiderar constantemente lo que está viendo. En la planta de entrada, el conocedor de los cuadros sin pintura de Víctor puede creer que está ante una exposición convencional del artista con obra de la serie Neither. Structural choices. 

Si desciende a la planta subterránea, en la telúrica y rupestre sala, encontrará el origen de todo el trabajo del artista tolosano: un mínimo fragmento de cinta amarilla y negra, la semilla de todo; 

pero si asciende, se encontrará con que la cinta adhesiva a abandonado el cuadro (ha roto con él) y copa toda la pared de una esquina, invitando a sumergirse en una turbulenta melodía de ritmos cinéticos, en un juego óptico de múltiples visiones. 

Si sigue ascendiendo, en la siguiente planta la inmersión se desmorona, la ficción de la posibilidad de un espacio dinámico y fluctuante queda destrozada, y el artista le demuestra que todo había sido una construcción mental en la que el proceso forma parte esencial de la creación artística, que la intervención de Víctor Solanas ha comenzado a desmantelarse y que, el día 9 de diciembre, la Torre Blanca volverá a su ser. 

Por último, en la azotea el artista compone un damero secuenciado que pone en contacto la armonía de las estrellas, que desde ella se pueden contemplar, con los ritmos latentes que subyacen dentro de la mole de la torre. 

No en vano, Víctor Solanas estudió música, y toda su producción plástica se organiza a través de una infinita serie de secuencias rítmicas.

 Four intermissions, Torre Blanca, Albarracín. Hasta el 8 de diciembre.


Publicado en Artes&Letras, nº 446, p. 6, Heraldo de Aragón, 28 de noviembre de 2013.
                                              

Ante la bruma

Esta exposición, que Rosa González ha preferido denominar Atmósferas, bien podría haberse llamado Pinturas 1984-2012, pues en ese amplio marco cronológico Rosa, en la intimidad de su casa, ajena a cualquier ambición de proyección, ni siquiera de exposición,  ha venido desarrollando un delicado trabajo con la única intención de experimentar para sí misma, dejándose llevar incluso por su propia indisciplina, libre de cualquier obligación, discurriendo por senderos que se borran tras sus pasos, y que vuelven a surgir, con el tiempo (la experiencia), diáfanos en sus trayectorias.

La mancha, fruto de la casualidad, del probar y del descartar.
El vacío atmosférico de los fondos.
El contraste entre lo rotundo y el imperceptible sfumato.
La tersa superficie del papel herida por un viso de luz brota entre el vapor de color.
El estado líquido se fosiliza y adquiere la solidez de los gases.
Grumo, terciopelo y seda.
Todo ello produce una emulsión de sugerencia, sintetizada sobre un inmaculado cristal, en total ausencia de cualquier racionalidad ortogonal.

Si en el expresionismo americano o en la color field painting de Mark Rothko, el tamaño, los grandes formatos, envolvía, casi absorbía al espectador, invitándolo a entrar en comunión con la obra; los pequeños formatos de las series de Rosa, apenas poco más que una postal (fueron postales navideñas durante muchos años), llaman a establecer una relación más íntima entre pintura y espectador. Son una invitación a sumergirse en ellos, y sugieren que es posible caer en la ensoñación ante la bruma.

Las vivencias decantadas de Quinita Fogué

Recurepamos el articulo,“Las vivencias decantadas de Quinita Fogué”, publicado en Grama. Revista de la Asociación Cultural "Vanyon" de Bañon (Teruel) nº 8, agosto 2012, pp. 41-43:

La exposición Sin posos, que se pudo ver recientemente en la Cámara de Comercio e Industria de Teruel, gestionada por la Fundación Teruel Siglo XXI, nos ha dado pie para considerar por escrito algunas de la cuestiones en torno a las que gira la obra de la pintora Quinita Fogué. 

Volver a los orígenes
Con Sin posos, Quinita Fogué ha presentado por primera vez su obra en la ciudad de Teruel en una muestra individual, aunque no es la primera vez que expone en la provincia que la vio nacer, pues ya en 2003 mostró en el Museo de Albarracín su obra englobada bajo el nombre Tierra entre los pies. En aquella ocasión, buena parte de las obras recogían la personal visión del paisaje de su tierra, aquel que vio en su niñez, aquel ligado a ese territorio al que siempre se vuelve que es la infancia.
En el catálogo se podía leer: “En esta serie de obras realizadas en 1998, se ve la impronta dejada por el cromatismo de la geografía turolense. Pardos-rojizos que retuercen la pasta de las texturas pictóricas hasta conformar unos páramos de árida belleza. Es el reencuentro con un territorio interiorizado en otros lugares, en localizaciones lejanas trabadas de viajes, que sin embargo han reavivado su semejanza al pensar en tiempos pasados y que tras muchos episodios experimentados, la llamada atávica de la tierra ha sido atendida.” ( Desirèe Orús, “La transfiguración del rostro de la naturaleza”, en Quinita Fogué. Tierra entre los pies, Museo de Albarracín, 2003, p. 9)
El reencuentro con su localidad natal, tras la reconstrucción de su casa familiar le permitió rastrear entre los recuerdos de sus primeras vivencias en Bañón, en las que descubrió las bases de algunos estilemas presentes en sus obras: el azul infinito, las ventanas, que se abren a la posibilidad de ensoñación. La critica de arte, Desirèe Orús lo recogía así: “El azul intenso del cielo de una ventana del último piso familiar, es el primer recuerdo de la autora. Sus vivencias infantiles están asociadas a las población turolense de Bañón, donde transcurrieron sus correrías escolares junto a la era, los campos paternos que se extendían detrás de la casa. Una niña que dejaba volar su imaginación a través de ese trozo de cielo que se colaba por la ventana de su habitación. Un color, azul, que la acompañará siempre en su percepción sensorial. Abría la hoja del ventanuco y durante horas soñaba con otros paraísos, paisajes, viajes, ciudades, que ilusoriamente sobrevolaba como un pájaro curioso. Intuía los pardos rojizos de los campos y la luz de las fachadas. Buscaba desenvolverse en un dédalo de calles bullentes de actividad que años después sintetizará en unos iconos que a su temprana edad sólo podía representar con imágenes recortadas.” ( Desirèe Orús, “De la pintura”, en Fogué. De la pintura… en el tiempo…, Ayuntamiento de Zaragoza, 2002, p. 9)
En estas imágenes recortadas de su infancia sin duda se encuentran los orígenes de su obra, y de la técnica del collage, presente en algunos de sus trabajos a los que no duda en incorporar desde fragmentos de fotografías, radiografías, trozos de periódicos, cuerdas... 

Un poso diferenciado
La pintura de Quinita es un reflejo de sus vivencias. Es la experiencia de lo vivido, el cúmulo de lo aprendido, las sensaciones acumuladas a través de sus sentidos, recogidos por su siempre inquieta mirada en su niñez, en sus viajes, en definitiva, en este constante ir y venir que es nuestra existencia. Son estas vivencias la que “otorgan un poso diferenciado a la hora de plasmar una idea” (2003, p. 17).
A propósito de Posos, su anterior exposición que se pudo ver en el Palacio Montemuzo de Zaragoza, en 2009, la artista declaraba: “Se trata de una obra de mucha investigación, muy creativa, porque refleja lo que he visto y lo que querría haber visto, y en la que predominan los colores muy vivos, muy vitales. También pueden verse los elementos más característicos de mi obra: las figuras, las puertas y ventanas y los círculos, metáfora de todo lo que nos rodea, como la Tierra, el Sol, o la Luna.” (Diario de Teruel, 23 de diciembre de 2009, p. 40), y también afirma que “ha titulado la muestra Posos porque “es como si hubiera almacenado durante mucho tiempo muchas cosas y ahora las hubiera sacado al aire y las hubiera ofrecido al espectador”.
Como muy bien señalaba Josefina Victoria Ribes Ruiz en esta misma revista: “el titulo de Posos es muy elocuente, nos lleva, además de la experiencia de vida y arte, a lo que queda de algo que ha sido utilizado y que aún puede seguir siéndolo, que, por ser un residuo, no debe despreciarse ni abandonarse en la basura, puede dar origen a algo nuevo y bello a la vez, llegar, incluso, a ser sublime.” (“Una visión de Posos. Exposición de Quinita Fogué”, Grama nº 6, agosto 2010, p. 36)

Sin posos
En Teruel ha presentado Sin posos, una cuidada selección de piezas de la serie “Posos”, en la que la artista ha decantado con un estricto criterio los cuadros más sobresalientes, junto a obras inéditas.

 

En el camino
Una de las piezas más temprana de esta exposición es el cuadro ‘Ante la vida’, en la que una serie de figuras apoyadas en sus cayados avanzan en fila, por un árido paisaje de tonos amarillentos, en un paisaje en el que con densas pinceladas y potentes calidades matéricas se confunden cielo y tierra, solo un desfile de negras figuras inmersas en su peregrinaje con la tierra entre los pies los separa y delimita.
 

Marruecos
No podía faltar en esta exposición la presencia de Marruecos, país por el que la pintora ha sentido verdadera fascinación, y donde expuso en 2003. Tres pinturas verticales, a modo de banderolas recogen temas norteafricanos, en ellas aparecen dos mujeres de rostro cubierto sobre fondo azul y un anciano con tasbih o rosario musulmán. El fondo es un buen ejemplo de cómo los objetos en las obras de Quinita se ordenan dentro una perspectiva, tan personal como simbólica. La idealización y la concienciación conviven en la superficie de estas telas.
 

Seres dorados, aureolas azules
En la pintura bizantina las convencionales figuras de los santos aparecen siempre sobre un fondo dorado, realizado con pan de oro, con ello se hacia manifiesto que esos seres no eran de este mundo. En algunos de los cuadros de las serie Posos, las figuras y los fondos se confunden, compartiendo ese áureo y terroso color. Las figuras emergen del fondo, a base de unas elementales líneas como queriendo compartir ese carácter sacro, un sentido trascendental que el ser humano siempre ha albergado en su interior. En algunos de estos seres, el halo que envuelve su cabeza a modo de las aureolas de los santos, no son doradas, sino azules.

 

Oferentes
En otros cuadros, desfilan a modo de las figuras oferentes de la antigüedad, portando luminosas esferas en sus manos.
¿Qué portan esas figuras? ¿Qué son esas esferas? Son pesadas cadenas con bolas que nos retienen e imposibilitan cualquier movimiento, cualquier posibilidad de cambio, o son bolas de luz en las que se materializan nuestra energía, esa luz que todos llevamos dentro, o también pudieran ser bolas de cristal en las que, como en los posos, los seres humanos tratan de leer el pasado vivido y de adivinar las esencias secretas del futuro por venir. Son figuras que llevan su pasado y su destino en sus manos, en el corazón, junto al primigenio ombligo, en las proximidades del origen de la vida. 
 

El color en sus ojos
En uno de los cuadros más recientes, firmado en 2012, las figuras han desaparecido, solo queda un fondo abstracto, un escenario donde permanecen elementales figuras simbólicas, que evocan lunas, ventanas, escaleras…, donde conviven los tonos dorados y rojizos del atardecer junto al luminoso azul. El azul de su infancia, de sus horizontes, el azul de su mirada, el color del cielo en sus ojos. 

                                                                            Ernesto Utrillas Valero